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现实是我创作作品的精神动力和来源

发布时间:2019-08-01 08:22编辑:艺术之家浏览(187)

    最早看到张大力的作品,是在1999年来北京看展览的时候,在即将被拆迁的断壁残垣上看到他的自画像涂鸦,这也是他留在这个城市里的第一个著名的符号。后来在吴文光的纪录片《流浪北京》里,看到80年代末在圆明园画家村做自由艺术家时的张大力,当时的他刚从中央工艺美院毕业,为了心中的理想挣扎在清苦的生活中,丈量自我与梦想的距离,凭着那股最为典型的“八十年代的激情”。2008年一个春天的下午,我和张大力坐在798红星画廊二楼的沙发上,重新谈起他这些年的创作和近况。激情与真诚一如既往,只是时间开始变得很快,就像窗外不断卷走沙尘的云烟。

    图片 1张大力《我们》

    于洋(下简称“于”):我在以前已经看过你的不少作品,先从你的最新的创作和思考谈起,在你看来现实与符号之间存在什么样的关系?

    张大力(下简称“张”):我的所有作品都跟社会现实有最紧密的关系,现实是我创作作品的精神动力和来源。我更关注的是艺术怎样切入现实以及反映和质疑我们文化和社会发展过程中产生的病毒。从2000年开始画《AK-47》系列,当时想表现人在社会动荡期的所遭受到的暴力以及不公。《口号》(“Slogan”)系列是《AK-47》的延续,也是对我们身边社会现实观察的结果。

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    图片 3《AK-47》

    我们现在所处的时代是一个充满戏剧性和急速发展的时代,大街小巷都是标语与口号,而且每段时间都在变换,这些本应出现在政府文件里的标语充斥在我们所处的公共空间里,它们教育我们告诉我们应该怎么做,就像父母在教育低年级的学童---人民的父母教育不懂事的人民。而对于标语,人们似乎已经熟视无睹,感觉是麻木的,但实际上标语深刻影响着我们的生活内容和生存状态。我把这些大家每天都没注意的、但又能看到的东西拍下来,放进入我的创作里,把它与人结合——标语和面孔的奇妙组合就是我们每个人所身处的这个时代的深刻写照。它们有深刻的涵义,把这些作品放置于展厅中,观众更能体会到作品的意义,而不仅仅是一种形式。

    我不会反映一个空想的符号,而更热衷于现实,对于现实的表述是我在创作中的焦点问题。我从街上拍摄了很多标语,这些照片一方面直接成为最终绘画创作的题材内容;另一方面,如果我们把这些照片与绘画作品并置,会发现其中的联系和意义所在。人的经历与思想是受其所处的世界观影响的,《口号》系列正是试图反映这种社会外力影响之下的人的状态。我一直认为,城市里的人是城市的灵魂,比城市环境的改变更重要。我们经常提到的“现代化”的涵义是双重的,它不应只是反映人们生活的富足,精神的富足才是更重要的。《口号》正是对于这个现代化都市的人的精神的一种关注和反思。

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    于:你最初在北京留下最为人所知的痕迹是人头像涂鸦,叫做“对话”;从98年开始的“砸墙”、“拆”系列,我们看到行为与照片形式的作品。从想法到实施再到记录,经历了怎样的过程?是不是带有某种“破坏”的快感?

    张:涂鸦作为一种工具和方式,本身带有强烈的反抗性。当时国内很多艺术家的创作处于地下状态,应该说艺术家创作浮出水面,在画廊展览里频繁展出只是近五年的事情。我当时创作涂鸦,代表着某种边缘人物提出的抗议;另外我当时认为艺术家不能只是在画室里空想,那样的空想只会产生犬儒主义的作品,我的一个强烈的欲望是要把我的艺术创作拿到一个公共空间里,于是我在街上涂鸦,让人们看到我的创作,看到不同于以往那种委婉、曲折、迂回的传统表达方式。涂鸦创作的题目叫“对话”,表现的是我的思想与这个城市里的所有人与空间的关系,而不是孤零零的一个艺术家,而是活在人们中间的一个表述者。而这种关系是存在多种可能性的:不管你不喜欢这样的涂鸦,甚或它激怒了你,不可否认的是你已经参入到这样的“关系”中。现代艺术最重要的一个因素是表现人与人之间的多种关系,这与中国古代艺术的隐逸山林的精神是不同的。在这一角度上,你说的“破坏感”是存在的,而这种“破坏感”是与“参与感”同步的,所以我后来把墙上的人头形象凿成洞,让涂鸦的轮廓与透过它所看到的风景结合。涂鸦的特点是它的时效性与冲击力,它们存在的时间很有限,你今天在墙上画的作品明天就有可能被推土机推到,所以我必须用照片的形式把它记录下来。

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